Din varukorg är tom
Det kommer alltid att finnas mycket debatt om den bästa eran för film. För mina två ören kommer jag med stor tillförsikt att säga att den bästa perioden i filmhistorien var 70-talet.
Det var verkligen en övergång under detta decennium som såg att biograferna från det sena 60-talet fortsatte, fram till födelsen av storfilmen som vi känner den idag.
Vi skulle nästan kunna dela upp 70-talet i två kategorier, även om jag också kommer att nämna underkategorier som Blaxploitation-perioden. Å ena sidan började regissörer gå så långt bort som möjligt från den traditionella Hollywood-produktionskoden.
Hitta de bästa pin-ups från 50- och 60-talen !
Gränser flyttades och optimism ersattes av djupt pessimistiskt arbete. Allt hade inte ett lyckligt slut. Saker och ting blev mörkare, vilket återspeglade en svår period i den sociala historien, när vi flyttade från eran med medborgerliga rättigheter till den i Nixon, Vietnam och ekonomisk kamp i västvärlden. I slutändan skulle saker och ting gå från spänningar i Fjärran Östern till spänningar med Ryssland.
Det senaste världskriget var fortfarande relativt nyligen och de våldsamma konflikterna i slutet av 1960-talet och känslan av obehag som åtföljde dessa konflikter gjorde denna period till en oroande och oroande tid i samhällshistorien. Som med alla saker återspeglas detta på film.
Detta kan ibland fungera på flera sätt. Det finns antingen en lutning mot socialt reflekterande film eller mer mot eskapistisk film och mot slutet av 70-talet såg vi övergången från det förra till det senare.
I början av 1970-talet bjöd dessa modigare filmer och en ny våg av fräscha och uppiggande regissörer, som Francis Ford Coppola och Martin Scorsese till exempel, ett ofta stramt men elegant urval av filmer.
På samma sätt skulle en grupp exceptionellt lovande skådespelare (och skådespelerskor) som Robert De Niro, Al Pacino, Dustin Hoffman, Jack Nicholson, Meryl Streep och Harvey Keitel börja leda vägen för att ersätta Hollywoods mer atypiska stjärnor. Cary Grant- formen etc. De skulle fortsätta att skapa en väg som någon som Marlon Brando hade börjat tälja.
Det metodologiska tillvägagångssättet kommer att bli mycket vanligare under denna tid och kommer att etablera ett djärvt och djärvt tillvägagångssätt för framtida spelare att anta. ersattes Jerry Lewis fysiska upptåg Woody Allen och Albert Brooks . Vad vi på senare tid känner som mumblecore, bygger mycket på verk av Allen etc.
Utan att gå in för mycket i detalj om hur dessa filmer fungerade, eftersom varje film jag skulle kunna nämna är värd en teoretiseringsbok för sig, säger det sig självt att mängden klassisk film som kom ut ur detta decennium är svindlande.
Ja, det vore alldeles för lätt att bara peka finger åt två gudfäder och kalla dem filmens höjdpunkt. De är utan tvekan mästerverk. Vi vet varför. Så jag kommer att undvika dem. Deras rykte går före dem.
Håller mig till Coppola, jag ska prata lite om ett klassiskt exempel på en film som perfekt förkroppsligar 70-talets syn på film. Det var lägligt, tankeväckande och mörkt. Det var också ett exempel på en av historiens mest olyckligt placerade filmer på en regissörs CV.
Den här filmen kunde inte vara sämre placerad än den var, eftersom själva placeringen såg filmen sugs in i ett svart hål. Det överskuggades totalt av det som föregick och följde det.
Det här är The Conversation, den minimalistiska, enkla, avskalade filmen som låg inklämd mellan Coppolas två första storslagna filmer, The Godfather. I och för sig är The Conversation en lysande film. Det är ett mästerverk. Engagerande, intelligent, exceptionellt skriven och på ett märkligt sätt verkar det vara en efterhand. Det verkar som om hon fyller tiden.
Den fyller en lucka mellan gangsterepos. Från varje dyra och genomarbetade scenografi, från iscensättningen och redigeringen av The Godfather, till den vackra enkla inramningen och stillheten i The Conversation.
Den här filmen förtjänar att vara bland de 100 bästa. Okej, den kanske inte har den ikoniska designen som Coppolas exceptionella gangsterduo (vi kommer inte att nämna den tredje delen), men Gene Hackman ger en av sina mest introspektiva och effektiva framträdanden, i en film med utsökt ljuddesign och en spännande skildring av ett nervöst sammanbrott på grund av paranoia.
Jag kan inte nog betona för de som missade det, men du måste definitivt se The Conversation.
Coppola skulle avsluta decenniet med ett vidsträckt krigsepos som stilistiskt sett är motsatsen till det raka tillvägagångssätt han använde i den tidigare nämnda Hackman
Apocalypse Now var en slingrande rättegång att göra. Det kostade nästan Martin Sheen livet. Coppola tog en perfektionistisk inställning till detta. Varje bild av varje scen är konst. Det är en fantastisk film med slående bilder som leker vackert med den bistra skräcken i vad den faktiskt skildrar.
Allt från de stora, visuellt bländande uppsättningarna till intimiteten i Marlon Brandos kusliga men intensivt uppslukande prestation är ett genredefinierande verk av geni.
Om det är något som perfekt förkroppsligar 70-talets standard jämfört med resten, så är det Coppolas CV. Han gjorde ett fantastiskt arbete under hela 80-talet (jag älskar Rumble Fish) men inget som Corleone-sagan, hans episka Nam eller ens The Conversation.
Scorsese gav sig ut på Mean Streets, en rå och stilfull gangsterfilm som visade en mycket mindre romantiserad och modern (på den tiden) skildring av de...nja...eme gatorna.
1970-talet var en period av rå och experimentell Scorsese. Det stora ögonblicket var på väg och, till viss del, den där nervösa, kreativa livskraften hade han nått sin topp i slutet av decenniet med Raging Bull.
I början av 80-talet hade han fulländat sitt hantverk, och om tio år skulle han regissera ett mästerverk i Goodfellas . En av hans mest stilfulla och introspektiva filmer är dock Taxi Driver .
Han är en regissör på frammarsch, full av nya idéer, djärvhet och instinkt. De Niro var fascinerande. Nästan 90 % av det som gör hans framträdande så fängslande är internt. Travis Bickle drar in publiken och kräver vår uppmärksamhet och tolkning.
Filmen liknar ingenting Scorsese har gjort sedan dess. I slutändan var det också lägligt. Det var en atypisk film från 1970-talet och de romantiska skildringarna av New York har i stort sett försvunnit, ersatta av filmer som Taxi Driver. Se även LA, Chicago och San Francisco. Filmmakarna visade nu vad som hände bakom kulisserna.
Även i en tidstypisk film var allt väldigt modernt. Chinatown, till exempel, spelade som ett gammalt svart tuggummiträd, men allt om det droppade (lysande) i 1970-talets pessimism.
Den här eran handlade inte bara om utbrott och stort hår, långt ifrån, och absolut inte filmiskt. Jack Nicholson höll på att etablera sig ordentligt i den nya vågen, medan Roman Polanski som regissör började göra sig ett namn utanför Europa (och innan han gjorde sig ett namn för något faktiskt mindre välsmakande).
Filmen, som är ett så bra exempel på ett (Robert Towne) manus som du kan se, är onekligen olycksbådande och drar sig inte för allt den skildrar, vare sig det är företagskorruption eller polis eller incestuös våldtäkt.
När de odödliga slutorden, " It's Chinatown ", uttalas efter ett av filmens mörkaste och mest gripande slut, bryts tittaren, men greppet, det fängslande och passionerade tittandet, släpps. Chinatown, som mycket film på den tiden, stannar med dig.
Du kan se en hel rad svåra, mörka och kraftfulla filmer från eran, från stor budget till låg budget. The French Connection, Marathon Man , de magnifika råa och viscerala Badlands.
På samma sätt, när du ser en film som All The Presidents Men , visar det att filmskaparna inte är rädda för den omedelbara historien. De hanterade här och nu och lät inte såren läka först.
Så det finns en grupp stigande stjärnor och regissörer som banar väg för nya och uppiggande stilar. Men under tiden arbetade etablerade stjärnor och regissörer fortfarande.
Brando , som skrev om spelets regler på 1950-talet, producerade fortfarande ikoniska shower för Coppola. Sidney Lumet , en regissör som inspirerade många framväxande regissörer på 70-talet (inklusive FFC och Scorsese), producerade fortfarande några av sina bästa verk, som Dog Day Afternoon och Serpico (som inte gjorde vågor i deras representationer av social oro och institutionell korruption).
Denna era var också en nyckelperiod inom exploateringsfilmen. Regissörer som Michael Winner (Death Wish) och Abel Ferrara ger sig in på arenan. Deras biograf var slarvig, lite trasig, men märkligt insiktsfull.
Bland efterskottet med Death Wish finns en del talande sociala kommentarer. Den talar inte bara om stadsmiljön i American City, utan också om det västerländska samhället som helhet vid den tiden. Det här är en film som lika gärna skulle kunna spelas in och utspelas i London.
Get Carters mörka och grubblande värld , verkade britterna verkligen vilja ta sig bort från romantiserade skildringar av stadslivet. Om figurer som Coppola rev sönder traditionalismen, som stela skjutformer, trepunktsbelysning, etc. De tänjde också utan anledning på utvärderingskommissionens gränser.
Det var en tid då pornografiska filmer var mycket vanliga. Hollywoods produktionskod stod i lågor. Alla drev på nivåerna av smak och anständighet och prövade lyckan. Deep Throat, Debbie Does Dallas och andra.
Samtidigt såg vi en stark svart rörelse med framväxten av Blaxploitation cinema . Plötsligt växte en befolkning fram som inte hade övervägts tidigare.
Naturligtvis bidrog medborgarrättsrörelsen till detta. Det var inte bara den atypiska standardpubliken (som ofta av Hollywood anses vara vita män, och på sin höjd vita kvinnor) som krävde en mer realistisk och råare biograf, det fanns också en minoritetspublik som krävde något för sig själv.
Medan Pacino och De Niro etc. gjorde sin grej (med sina egna distinkta italienska/amerikanska identiteter), såg vi stjärnor som Richard Roundtree , Fred Williamson , Pam Grier och Jim Killy medverka i en samling hippa, coola, attitydinjicerade exploateringsfilmer.
Oavsett om det var Shaft , Coffy eller Foxy Brown så var dessa filmer inte helt realistiska. De var i grunden serietidningsfilmer med en lemony trashy twist.
På vissa sätt var dessa filmer ett sätt att kringgå traditioner och till och med Hollywood New Wave (som ofta hade börjat innehålla svarta karaktärer som en del av kriminella gäng, etc.)
Vad allt detta visar är hur underbart eklektisk amerikansk och brittisk film var. Samtidigt var det mycket experimentell film.
Människor flyttade bort från studiosystem. Ett kollektiv av filmskoleutexaminerade gjorde sina egna lågbudgetfilmer och hittade språngbrädor för större verk (Scorsese, Ferrara, FFC, etc.).
Människor som Terrence Malick eller John Cassavetes var mycket ovanliga i sin stilistiska inställning och sitt sätt att berätta historier. Cassavetes, i synnerhet, hade en väldigt rå stil, men det fanns en observant sanning i allt han gjorde.
Intressant film var förstås inte bara begränsad till väst. Men i viss mån är det helt enkelt att komma ikapp med vad östlig film och Europa redan har gjort.
Samtidigt, trots spänningar, började östeuropeisk film att väcka uppmärksamhet i USA. Faktum är att en åskådares uppskattning av världsfilmen blir alltmer insiktsfull och öppen för bredare influenser.
Andrei Tarkovsky förenade vackert fotografiets konst och estetik med den rörliga bilden. Han banade väg för en grupp ryska och östeuropeiska regissörer. Fransk film hade redan tagit över en stor del av gruppen; Amerikansk film var nu, i slutet av 1950-talet, långt in på 1960-talet, medan experimentalister som Godard fortsatte att arbeta rejält.
Som jag sa, jag skulle kunna ägna hela artiklar till varje person som nämns, men jag är inte säker på att internet har lagringskapacitet för mina vandringar. Ovannämnda Polanksi och Milos Forman skulle också ta språnget från sina respektive länder till Hollywood-berömmelse.
Skräckfilmer revolutionerade deras stil. De tar upp fröna som sys av karaktärer som Hitchcock eller Michael Powell (Peeping Tom). Stilistiska förhållningssätt tänjs på och gränser tänjs på vad gäller videoövervakning, färger och redigering.
Till sist blir saker och ting mörkare (sataniska), skrämmande eller blodiga. Vi hade The Exorcist, Rosemary's Baby, The Omen och sedan Giallo-filmerna som kom till oss från Italien . Dario Argento , med elektrifierande skräckfilmer som Deep Red och Suspiria , en rörelse av kreativa, gränsöverskridande regissörer utan hinder.
I slutet av 70-talet John Carpenter och skrev om reglerna för slasher, vilket ledde till en rad imitationer och franchiser under hela 80-talet.
Som jag nämnde tidigare, blev saker och ting gradvis klarare mot slutet av decenniet, eftersom publiken nu behövde lite eskapism. Plötsligt såg vi hopp och godhet.
Lite fantasi här och där. Från Dirty Harry , Deliverance och Don't Look Now , till filmer som Rocky, Close Encounters of the Third Kind , Grease och, förstås, Star Wars . Idag försöker filmskapare i allt högre grad att få ut kassaintäkter snarare än att utmana allmänhetens intellektuella eller sociala samvete.
Det fanns fortfarande en blandning på 80-talet, men landskapet förändrades definitivt mot fantasi. Oavsett om det är outsiderhistorier eller rymdäventyr. Verkligheten efter Nixon-Nam-eran började bli svår att assimilera. Folk ville se verkligheten, men de levde också efter den. De behövde något annat.
Hos en som Rocky Balboa till exempel visade det ett visst hopp. Att även på dessa smutsiga gator för gemene man fanns en chans till något större.
bandbredden flimrande myten med mycket mer, ska jag fråga er både vilka dina favoritfilmer från 70-talet är och, faktiskt, finns det en bättre era för film?
Googla bara på en lista över filmer från 70-talet för att se vad den enastående (världsomspännande) produktionen under det decenniet var. Jag tror inte vi kan toppa henne.
Du kan också hitta våra topp 100 bästa filmer inspelade i New York från alla perioder!
Kommentarer godkänns före publicering.
